Pichet en faïence Lunéville XIXe siècle

Pichet «Histoire mystérieuse dans le style japonais»
Faïence, décor imprimé, glaçure.
France, manufacture KG Lunéville, fin du XIXe — début du XXe siècle.
Hauteur : 27 cm.
Marque : cachet sous glaçure KG Lunéville au revers.
État : bon état, conforme à l’âge. Présence d’un léger réseau de craquelures superficielles de la glaçure dans la zone de plus forte courbure de la forme (voir photo 12) ; la faïence reste intacte.

Ce pichet en faïence de forme classique et élégante est décoré d’une impression dans l’esprit du japonisme, courant artistique qui prit une place importante dans les arts décoratifs européens dans la seconde moitié du XIXe siècle.
Sur un fond clair couleur ivoire se déploie un récit graphique intrigant. Les scènes sont disposées dans des cartouches en forme d’éventails japonais et rassemblent les images les plus reconnaissables du Japon pour l’imaginaire européen : un personnage en kimono, le mont Fuji, des branches de sakura en fleurs, une grue, une pivoine, une souris et des objets liés à la cérémonie du thé. C’est à travers ce type de motifs que les Européens du XIXe siècle imaginaient le Japon lointain. L’intérêt pour sa culture s’intensifia rapidement après l’ouverture du pays au commerce international dans les années 1850–1860, lorsque estampes, textiles et objets d’art japonais commencèrent à affluer en Europe.
Les scènes sont disposées librement et se lisent comme les fragments d’un récit illustré. Chacune est inscrite dans un cartouche en forme d’éventail, motif caractéristique de cette série. Il est révélateur que la marque de la manufacture elle-même, dans cette ligne d’inspiration japonaise, intègre également l’image d’un éventail.
Le choix de ce motif n’est pas fortuit. Dans la seconde moitié du XIXe siècle, les éventails japonais — sensu et uchiwa — devinrent l’un des objets les plus diffusés en Europe avec les estampes, les laques et les textiles. Ils se transformèrent rapidement en véritable symbole visuel du « style japonais ». Les artistes des manufactures européennes utilisèrent donc volontiers la forme de l’éventail comme cadre décoratif pour leurs scènes. De plus, ce type de cartouche s’adaptait particulièrement bien à l’impression sur faïence, sa silhouette permettant d’inscrire harmonieusement les motifs sur la surface arrondie du vase.
Le dessin brun en ton sépia, finement tracé, évoque la délicatesse des anciennes gravures et confère à la surface de la céramique une chaleur visuelle proche de celle des œuvres graphiques.

Matériau et technique
Le pichet est réalisé en faïence et décoré selon la technique de l’impression par transfert.
Ce procédé permettait de reporter sur la surface de la céramique des compositions graphiques complexes, riches en détails et en fines hachures. Les images obtenues rappellent ainsi les illustrations imprimées ou les eaux-fortes.
L’impression monochrome est exécutée dans une teinte brune caractéristique appelée brun manganèse, très répandue dans les manufactures françaises de faïence de la fin du XIXe siècle. Ce ton chaud de sépia se prêtait particulièrement bien à la restitution d’un dessin de caractère graphique.

Composition et influence de l’estampe japonaise
Le décor repose sur une disposition libre des scènes. Personnages, oiseaux et motifs végétaux apparaissent sur la surface du pichet comme successivement révélés.
Ce procédé est typique du japonisme européen, inspiré des estampes ukiyo-e. Dans les albums illustrés japonais, les images sont souvent disposées librement sur la page et peuvent se chevaucher légèrement. Les artistes européens ont interprété ce principe comme une succession d’images presque « collées », créant une impression d’asymétrie légère et de mouvement visuel autour de l’objet.
On perçoit également un certain principe théâtral : personnages et éléments du paysage apparaissent comme des acteurs entrant en scène. Le regard du spectateur circule progressivement dans le décor — de l’oiseau au personnage humain, puis vers les animaux et les plantes — comme s’il suivait le fil d’une intrigue subtile.

Personnages et motifs japonais
L’un des personnages centraux est représenté vêtu d’un kimono traditionnel. Sa coiffure, un petit chignon au sommet du crâne, évoque la coiffure masculine chonmage, répandue au Japon durant l’époque Edo. À l’origine associée aux samouraïs, elle fut ensuite adoptée par de nombreux citadins.
À côté de la figure apparaît un coffre contenant une théière et une tasse. Ce détail suggère la présence d’un vendeur ambulant de thé, personnage typique de la vie urbaine japonaise. Ces marchands étaient appelés chaya-uri, vendeurs de thé chaud.
Dans l’iconographie japonaise, les estampes représentaient aussi fréquemment les acteurs du théâtre kabuki, incarnant des figures de la vie quotidienne — artisans, musiciens ou marchands. Le personnage du pichet peut ainsi être interprété comme un acteur de kabuki jouant le rôle d’un vendeur ambulant, ce qui correspond bien à la pose expressive de la figure.

Oiseaux et animaux
Le décor comprend deux oiseaux.
Le grand oiseau est une grue, symbole majeur de l’art japonais. Dans la culture japonaise, la grue (tsuru) évoque la longévité, la prospérité et l’harmonie. Elle apparaît fréquemment dans la peinture et l’estampe, souvent associée à des branches ou à des paysages aquatiques.
Un second oiseau, plus petit, au long bec, rappelle un colibri. Or cet oiseau n’existe pas au Japon : il s’agit probablement d’une interprétation européenne d’un petit oiseau chanteur souvent présent dans l’imagerie japonaise. Dans les décors japonisants européens, ces oiseaux prenaient volontiers une apparence exotique.
Dans la partie inférieure de la composition apparaît une souris, semblant courir d’un côté du pichet à l’autre. Ce petit personnage joue un rôle essentiel : il anime l’ensemble du décor et relie les différentes scènes en un seul mouvement narratif. Dans la tradition japonaise, les souris sont associées au dieu de la richesse Daikoku, protecteur du riz et de l’abondance, et apparaissent souvent comme de discrets observateurs des scènes.

Ornement du bord
Le bord supérieur est souligné par une frise décorative composée de petites fleurs et de segments rectilignes. Ces éléments évoquent des branches stylisées ou des assemblages de bambou et font écho aux motifs décoratifs associés à l’esthétique japonaise.
Dans les productions en faïence du XIXe siècle, ce type de bordure faisait généralement partie d’un même motif décoratif et était imprimé à l’aide d’une plaque distincte. Il constitue ainsi souvent un indice utile pour identifier une série.

Caractère décoratif
Le décor du pichet se lit comme un petit récit graphique. Personnages, oiseaux, animaux et végétaux composent un ensemble vivant dans lequel chaque scène prolonge la précédente.
Cette manière narrative était particulièrement appréciée dans la céramique décorative de la fin du XIXe siècle. L’objet ne se limite plus à sa fonction utilitaire : il devient un petit univers visuel que l’on peut contempler longuement, découvrant progressivement de nouveaux détails et se laissant entraîner dans l’atmosphère imaginaire d’un Japon rêvé.

Manufacture de Lunéville
Au revers figure la marque sous glaçure KG Lunéville.
La manufacture de faïence de Lunéville, fondée au XVIIIe siècle en Lorraine, devint au fil du temps l’un des centres importants de la céramique décorative française. Au XIXe siècle, l’établissement produisit de nombreuses pièces ornées de décors imprimés.
Après l’ouverture du Japon au commerce international, l’engouement européen pour l’art oriental donna naissance à de nombreuses séries de décors japonisants. La faïence de Lunéville constitue ainsi un témoignage particulièrement intéressant de la manière dont l’Europe découvrit et interpréta la culture japonaise à la fin du XIXe siècle.